Les Activités à Paris

En 2001 et en 2017, le Museum of Modern Art de New York (MoMA) faisait l’acquisition de plus de 350 photographies provenant du collectionneur suisse Thomas Walther. Cet ensemble est présenté pour la première fois hors de New York, dans une exposition rassemblant environ 230 images. Comprenant des œuvres iconiques de la première moitié du XXe siècle, l’exposition permet d’écrire une histoire des avant-gardes photographiques européennes et américaines. À travers les œuvres d’une centaine de photographes, de Berenice Abbott à Karl Blossfeldt, de Claude Cahun à El Lissitzky, d’Edward Weston à André Kertész, la collection retrace l’histoire de l’invention de la modernité en photographie.

Accueil par Quentin Bajac, Directeur du musée et visite commentée

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Pour la première fois, le Musée Rodin et le Musée national Picasso-Paris s’unissent pour offrir un regard inédit sur ces artistes de génie qui ont ouvert la voie à la modernité dans l’art. L’exposition Picasso-Rodin invite à une relecture croisée des œuvres de Rodin (1840-1917) et Picasso (1881-1973), ces deux grands artistes ayant durablement bouleversés les pratiques artistiques de leur temps pour les générations à venir. Cette relecture croisée de leurs œuvres se décline en différents chapitres sur les deux lieux : le Musée Picasso se concentre notamment sur les processus créatifs des deux artistes. À des époques et dans des contextes différents, Rodin et Picasso participent à une articulation décisive de l’histoire et sans doute est-ce là une des clés de leurs similitudes. À leur façon, ils inventent un nouveau mode de représentation, expressionniste chez Rodin, cubiste chez Picasso.

Visite introduite par la commissaire d’exposition, Mme Virginie Perdrisot-Cassan.

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A l’invitation du Petit Palais, Jean-Michel Othoniel investit la totalité du musée et son jardin avec l’exposition Le Théorème de Narcisse. Il s’agit de la plus grande exposition personnelle de l’artiste à Paris depuis sa rétrospective « My Way » au Centre Pompidou en 2011. Pour l’occasion, en plus de 70 œuvres nouvelles, Othoniel invente Le Théorème de Narcisse : un homme-fleur, qui en se reflétant lui-même, reflète le monde autour de lui. L’artiste tisse une toile d’irréalité, d’enchantement, d’illusion, de libération de l’imagination. Rivières de briques bleues, Lotus et Colliers d’or, Couronne de la Nuit, Nœuds Sauvages et Precious Stonewall miroitants, ces œuvres sont enchâssées dans le bâtiment, suspendues aux arbres ou posées sur l’eau ; elles dialoguent avec l’architecture du Petit Palais et les ors de son jardin. Cette exposition est placée sous le signe du ré-enchantement et de la théorie des reflets que l’artiste développe depuis près de dix ans avec la complicité du mathématicien mexicain Aubin Arroyo. Elle a été organisée avec le soutien de la galerie Perrotin et mécénée par Christian Dior Parfums dans le cadre de ses Jardins culturels.

Accueil de Christophe Leribault, directeur du Petit Palais. Visite avec Juliette Singer, commissaire de l’exposition, et rencontre de l’artiste Jean-Michel Othoniel.

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Le Centre Pompidou présente la première rétrospective en France de Georgia O’Keeffe (1887 – 1986), l’une des plus grandes figures de l’art nord-américain du 20e siècle. Riche d’une centaine de peintures, dessins et photographies, l’exposition propose un parcours complet à travers sa carrière artistique. Disparue à 98 ans, Georgia O’Keeffe aura traversé l’essentiel des aventures esthétiques du siècle précédent. Dans les années 1920, elle appartient au cercle restreint des inventeurs du modernisme américain, puis participe, dans les années 1930, à la recherche identitaire qui marque les États-Unis, avant de devenir dans les années 1960 une pionnière de la peinture abstraite « hard edge ». Au-delà des peintures de fleurs qui ont fait sa renommée, l’exposition « Georgia O’Keeffe » au Centre Pompidou restitue à son œuvre sa complexité et sa richesse iconographique. Si l’inspiration végétale est un motif récurrent de l’artiste, l’exposition la replace dans une tradition qui s’enracine dans le grand sentiment de la nature hérité du Romantisme historique.

Visite commentée par Mme Anna Hiddleston, collaboratrice du commissaire d’exposition Didier Ottinger.

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Redécouvrez le Musée Carnavalet, fraîchement rénové après 4 ans de travaux, avec l’exposition photographique Revoir Paris. Pour sa première exposition après réouverture, le musée s’associe avec la Fondation Henri Cartier-Bresson pour mettre en lumière l’importance de Paris dans la vie et l’œuvre d’Henri Cartier-Bresson, l’un des plus grands photographes français du 20e siècle. Le musée revisite les liens tissés par l’artiste avec une ville où il a toujours habité et qui l’a nourri artistiquement. Après des débuts marqués par l’influence du photographe Eugène Atget et des artistes surréalistes, Cartier-Bresson se découvre voyageur au long cours, avec Paris comme port d’attache. Dans cette ville, qu’il ne cesse de redécouvrir, c’est d’abord l’être humain qui l’intéresse. Il le saisit dans la rue ou à l’occasion de rencontres.

Visite commentée par Anne de Mondenard et Agnès Sire, commissaires de l’exposition

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Carte blanche à la Fondation Dapper : l’artiste camerounais Barthélémy Toguo. Un art engagé et sensible qui explore les dysfonctionnements du monde actuel pour mieux les dénoncer en puisant, entre autres, dans les cultures de l’Afrique. Avec un fil inédit, sont mises en résonance certaines œuvres de l’artiste avec des pièces d’arts anciens africains. Figure originale et centrale de la scène artistique internationale, Barthélémy Toguo (né en 1967) vit et travaille entre le Cameroun et la France. Il cherche, à travers ses créations, à éveiller les consciences. Mû par le besoin de créer pour témoigner, il conçoit une œuvre en prise directe avec les grands bouleversements du monde actuel (guerres, abus de pouvoir, immigration, famine, dangers).

Visite commentée.

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Un an après l’explosion du 4 août 2020 qui a ravagé le port de Beyrouth, l’Institut du monde arabe rend hommage à la vitalité et à la résilience de la scène artistique libanaise avec l’exposition Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd’hui. Avec cette exposition, l’IMA célèbre la prodigieuse créativité des artistes modernes et contemporains du Liban et de ses diasporas, du lendemain de son indépendance en 1943 jusqu’à nos jours. L’exposition présente plus d’une centaine d’œuvres réalisées par 55 artistes sont révélées pour l’occasion, dont notamment celles de de Shafic Abboud, Etel Adnan, Saliba Douaihy, Paul Guiragossian et bien d’autres.

Visite avec le commissaire de l’exposition.

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L’exposition Les Flammes. L’Âge de la céramique propose une immersion dans le médium de la céramique et associe plus de 350 pièces allant du néolithique jusqu’à nos jours, créant un dialogue inédit et fécond entre des typologies d’objets issus d’époques et de contextes variés, cherchant à déceler les influences autant que les coïncidences. L’exposition Les Flammes présente ainsi des céramiques réalisées par des artistes ou des céramistes modernes et contemporains (de Jean Carriès, Georg Ohr, Paul Gauguin, Shoji Hamada, Bernard Leach, Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Salvador Dali, Raoul Dufy, Lucio Fontana, Beatrice Wood, Ken Price, Ron Nagle, Cindy Sherman, Judy Chicago, Jean Girel, Simone Leigh, Dewar et Gicquel, Theaster Gates, Mai Thu Perret, Clare Twomey, Takuro Kuwata, Natsuko Uchino…), des productions historiques signées (de Bernard Palissy, Marie Talbot, Dave the Potter, ou des Manufactures nationales), ou encore non européennes (poterie Nok, jarres Mochica, figures Tang, réticulés iraniens, rakus japonais).

Visite commentée par Anne Dressen, commissaire de l’exposition, en jour de fermeture du musée.

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Private Choice, sous la direction de Nadia Candet, est une collection inédite d’œuvres d’art et de design de plus de 66 créateurs du monde entier.

C’est sous le thème de l’Odyssée que Private Choice célèbre sa Xe édition cet automne durant la FIAC. Un rendez-vous unique dans le cadre intime de deux appartements d’un immeuble haussmanien. La sélection est le fruit d’un minutieux travail d’exploration de la scène artistique contemporaine : tout au long de l’année,Nadia Candet et son équipe visitent les ateliers de jeunes prodiges comme d’artistes confirmés, à la recherche de pépites à révéler aux collectionneurs.

Visite de groupe et accueil par Nadia Candet, Fondatrice de Private Choice.

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Foire d’art moderne et contemporain, Moderne Art Fair est le nouveau rendez-vous parisien de la scène artistique française et internationale, de l’art moderne et contemporain au design. Elle réunit pendant 6 jours les acteurs du marché de l’art et du design : galeries, passionnés et amateurs, collectionneurs et décorateurs dans une ambiance conviviale.

Créée en 2021, résolument tournée vers l’art moderne, l’art contemporain et le design, cette première édition met en commun l’expertise et l’expérience d’une équipe de professionnels du monde de l’art et de la promotion d’événements artistiques parisiens, spécialisés en art moderne et en design contemporain.
Moderne Art Fair, positionnée au cœur de la vague artistique du XXe siècle, est alors née d’une longue réflexion joignant connaissance et indépendance à un esprit résolument familial, créant ainsi un univers de choix où l’impossible n’est jamais un obstacle : c’est la plus belle des réponses artistiques à un public de plus en plus exigeant, quel qu’il soit.
Déjà, cette première édition s’annonce très attendue auprès des férus d’art, réunissant près de 60 galeries qui présentent un choix d’artistes consacrés du XXe et XXIe siècle.

Visite avec introduction.

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L’exposition Les Flammes. L’Âge de la céramique propose une immersion dans le médium de la céramique et associe plus de 350 pièces allant du néolithique jusqu’à nos jours, créant un dialogue inédit et fécond entre des typologies d’objets issus d’époques et de contextes variés, cherchant à déceler les influences autant que les coïncidences. L’exposition Les Flammes présente ainsi des céramiques réalisées par des artistes ou des céramistes modernes et contemporains (de Jean Carriès, Georg Ohr, Paul Gauguin, Shoji Hamada, Bernard Leach, Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Salvador Dali, Raoul Dufy, Lucio Fontana, Beatrice Wood, Ken Price, Ron Nagle, Cindy Sherman, Judy Chicago, Jean Girel, Simone Leigh, Dewar et Gicquel, Theaster Gates, Mai Thu Perret, Clare Twomey, Takuro Kuwata, Natsuko Uchino…), des productions historiques signées (de Bernard Palissy, Marie Talbot, Dave the Potter, ou des Manufactures nationales), ou encore non européennes (poterie Nok, jarres Mochica, figures Tang, réticulés iraniens, rakus japonais).

Visite commentée par Anne Dressen, commissaire de l’exposition.

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Le musée d’art et d’histoire du Judaïsme consacre l’exposition Chagall, Modigliani, Soutine… Paris pour Ecole. 1905-1940 à la génération d’artistes arrivés entre 1904 et 1940 à Paris. Parmi ces hommes et femmes, nombreux sont les artistes juifs venus des grandes métropoles européennes, mais aussi de l’Empire russe, qui cherchent une émancipation artistique, sociale et religieuse. Ils ne sont d’aucune « École » au sens traditionnel, mais ont une histoire commune. L’exposition retrace les raisons de l’installation de ces artistes à Paris, les liens qui les unissent, le cadre historique et politique de leur œuvre et, bien sûr, leur participation à une scène artistique dans ce qui est alors la capitale de l’art.

Visite en nocturne avec Pascale Samuel, commissaire de l’exposition.

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L’exposition Ettore Sottsass. L’objet magique réunit un ensemble unique de pièces historiques majeures du designer italien Ettore Sottsass (1917-2007), des années 1940 aux années 1980. Plus de quatre cents œuvres (dessins, peintures, objets de design), cinq cents photographies et deux cents documents inédits issus des archives de la bibliothèque Kandinsky, mettent l’accent sur toutes les composantes créatrices de son œuvre. Designer, architecte, écrivain, Ettore Sottsass Jr. (Innsbruck, Autriche, 1917 – Milan, Italie, 2007) est un précurseur à chaque période de sa vie. Opposé au rationalisme, il ne cesse de revendiquer une expérience émotionnelle des objets. Il envisage le design comme une manière de refonder l’architecture, ainsi que de tisser un lien nouveau entre l’homme et les objets : « J’ai toujours pensé que le design commençait là où finissent les processus rationnels et où commencent ceux de la magie ».

Visite avec Marie-Ange Brayer, commissaire de l’exposition.

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Chaque année, au mois de novembre, PhotoSaintGermain réunit une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche autour d’un parcours photographique. Rencontres, projections, signatures et visites d’atelier rythment la programmation, en regard des expositions présentées.

Un parcours guidé avec Aurélia Marcadier, directrice, vous ammenera dans 5 galeries principales de la rive gauche et vous introduira à la sélection PhotoSaintGermain de cette année.

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Créée en 2014, sous l’impulsion de Laurent Dumas, Président du Groupe Emerige, la Bourse Révélations Emerige est un programme annuel destiné à accompagner les artistes de moins de 35 ans en association avec une galerie d’envergure internationale. L’appel à candidature s’adresse à tous les jeunes artistes résidant ou travaillant en France et qui ne sont pas représentés par une galerie. Pour cette 8ème édition, douze artistes ont été sélectionnés cette année parmi près de 1 000 dossiers de candidature dans toutes les disciplines (peinture, dessin, installation, vidéo, photographie, sculpture…) et présenteront leur travail dans le cadre de l’exposition Fireplaces conçue par Gaël Charbau.

Visite de l’exposition avec Gaël Charbau, commissaire, et rencontre de certains des 12 artistes présentés.

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AKAA, foire internationale d’art contemporain et de design, vous présente sa prochaine édition, de retour sous les verrières du Carreau du Temple. Avec 39 galeries internationales et plus de 100 artistes présents, venus des quatre coins du monde, AKAA s’est érigé, en six éditions, en événement incontournable pour les collectionneurs, professionnels et amateurs d’art contemporain.

Introduction de la fondatrice de la foire, visite avec conférencier suivie d’un cocktail dans l’espace VIP.

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Sous la direction artisitque d’Emilia Guenardi, A PPR OC HE est un salon indépendant pour l’expérimentation du médium photographique. C’est un manifeste approuvant l’ouverture sans limite de la pratique empirique de la photographie, qui n’a cessé de mener une évolution technique, culturelle et sémantique. La photographie s’accorde donc ici un positionnement de choix en résiliant son concept de cliché fixe. Le salon est abrité dans l’hôtel particulier Le Molière et conçu comme une exposition, avec un regard curatorial, composé uniquement de solo shows.

Introduction suivie par une visite libre.

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La MEP présente la première grande rétrospective consacrée au photographe franco-camerounais Samuel Fosso. Cette exposition majeure qui couvre 50 ans de carrière, revient sur une œuvre qui occupe aujourd’hui une place centrale sur la scène artistique internationale. Si le genre de l’autofiction, et plus particulièrement de l’autoportrait, a été largement employé par les artistes à partir des années 1970, Samuel Fosso a donné à cette pratique une nouvelle portée, à la fois politique et historique, fictionnelle et intime.

Si le genre de l’autofiction, et plus particulièrement de l’autoportrait, a été largement employé par les artistes à partir des années 1970, Samuel Fosso a donné à cette pratique une nouvelle portée, à la fois politique et historique, fictionnelle et intime. Incarner devant l’objectif des personnalités marquantes de l’Histoire et des archétypes sociaux constitue pour Fosso le moyen d’exister au monde autant qu’une démonstration du pouvoir du médium photographique dans la construction d’une figure, d’un mythe.

Visite avec Clothilde Morette, commissaire de l’exposition.

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Depuis plus de 10 ans, lʼ’artiste Eva Jospin compose des paysages forestiers et minéraux exclusivement à partir de carton. La sobriété du matériau initial et la présence monumentale des sculptures contrastent avec le caractère extrêmement minutieux et détaillé des découpes imitant avec perfection les détails des paysages naturels. Elle est invitée à l’automne 2021 à investir les salles du Musée. Au Musée de la Chasse et de la Nature, ayant rouvert ses portes au printemps dernier après deux années de travaux, l’œuvre principale d’Eva Jospin sera un espace à traverser.

Un pan de forêt découpé, caractéristique du style unique de lʼartiste, dans lequel sʼouvre une galerie à la fois végétale et architecturée, faite de plinthes et de niches à la manière dʼun studiolo de la Renaissance italienne. Lʼinstallation joue de la découverte, et du dialogue entre intérieur et extérieur : un foisonnement structuré dans lequel sʼouvrent tantôt un reliquaire, hôte dʼun nouvel objet, tantôt une archère donnant discrètement sur la salle et ses passants.

L’exposition se propagera dans les salles supérieures du musée : les œuvres de papier y poursuivront le dialogue entre végétation, caches, monde animalier, interventions et rituels : un vocabulaire commun qu’Eva Jospin décline autant qu’elle incise dans les collections permanentes. 

Visite introduite par Christine Germain, directrice du musée.

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Open Space est un programme de la Fondation Louis Vuitton dédié à la création dans ses expressions les plus actuelles. Des artistes nationaux et internationaux sont invités à imaginer un projet spécifique. Nomade dans le bâtiment de Frank Gehry, Open Space se déroule selon un rythme régulier.

La pratique artistique de Bianca Bondi opère à la fois par un mélange de méthode et d’expérimentation matérielle. Elle sélectionne les matériaux en fonction de leurs propriétés intrinsèques ou de leur potentiel de transformation, dont les combinaisons créent des surfaces étranges et nouvelles. Inspiré par les sciences occultes, son processus de travail peut être comparé à une pratique rituelle ou à une alchimie instinctive.

A travers ses vidéos d’animations en noir et blanc, Özgür Kar donne vie à des personnages anthropomorphes en proie à de profonds questionnements existentiels. Sur des écrans plats apparaissent des corps masculins sommairement esquissés, contraints dans des positions inconfortables.

Visite avec Ludovic Delalande et Claire Staebler, commissaires de l’exposition.

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Dans l’exposition Signac Collectionneur, le Musée d’Orsay présente la collection Signac comme un véritable cas d’école car elle reflète le regard et les partis-pris d’un artiste particulièrement actif sur la scène artistique de son temps. La collaboration avec les archives Signac, qui conservent, outre la correspondance de l’artiste, les carnets où il consignait ses achats, permet d’établir un recensement précis des peintures, dessins et estampes qui lui ont appartenu.

Autodidacte, Signac apprend son métier en regardant les œuvres des impressionnistes, en particulier celles de Claude Monet, d’Edgar Degas, de Gustave Caillebotte ou d’Armand Guillaumin qui pour la plupart figurent dans sa collection. Sa première acquisition est un paysage de Paul Cézanne.

Visite avec conférencier.

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Pour sa première exposition monographique, la fondation Lafayette Anticipations invite Martin Margiela à prendre possession et métamorphoser l’ensemble de ses espaces.

Entre installations, sculptures, collages, peintures et film, cette exposition présente plus d’une quarantaine d’œuvres inédites et poursuit une hypothèse : Martin Margiela a toujours été un artiste. Reconnu internationalement depuis la fin des années 80 dans le domaine de la mode, il s’est attaché, durant toute sa carrière de créateur, à en bouleverser un à un les codes au travers de défilés, de matières et de silhouettes devenus depuis des révolutions conceptuelles et esthétiques. Pensée comme une œuvre d’art totale, l’exposition à la fondation Lafayette Anticipations est une expérience qui poursuit l’obsession de l’artiste pour la transformation et le détournement.

Visite en nocturne avec conférencier.

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Le musée de l’Orangerie présente l’exposition Chaïm Soutine / Willem de Kooning, la peinture incarnée faisant dialoguer les œuvres de Chaïm Soutine (1893–1943), peintre de l’École de Paris d’origine russe (actuelle Biélorussie) et de Willem de Kooning (1904-1997), expressionniste abstrait américain d’origine néerlandaise. Cette exposition s’attachera plus spécifiquement à explorer l’impact de la peinture de Soutine sur la vision picturale du grand peintre américain.

Soutine a en effet marqué la génération des peintres d’après-guerre par la force expressive de sa peinture et sa figure d’« artiste maudit », aux prises avec les vicissitudes et les excès de la bohème parisienne. Son œuvre a été particulièrement visible aux États-Unis entre les années 1930 et 1950, moment où l’artiste figuratif de tradition européenne est relu à l’aune des théories artistiques nouvelles. C’est précisément au tournant des années 1950 que Willem de Kooning entame le chantier pictural des Woman, toiles dans lesquelles se construit un expressionnisme singulier, entre figuration et abstraction. L’élaboration de ce nouveau langage correspond au moment où le peintre convoque l’univers artistique de Chaïm Soutine et s’y confronte. De Kooning découvre les tableaux de son prédécesseur dès les années 1930, puis à la rétrospective qui consacre le peintre au Museum of Modern Art à New York en 1950. L’exposition mettra en dialogue les univers singuliers de ces deux artistes au travers d’une cinquantaine d’œuvres articulées autour de thématiques essentielles : la tension entre la figure et l’informe, la peinture de la « chair », la pratique picturale « gestuelle » des deux artistes.

Visite avec conférencier.

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L’exposition Les Flammes. L’Âge de la céramique propose une immersion dans le médium de la céramique et associe plus de 350 pièces allant du néolithique jusqu’à nos jours, créant un dialogue inédit et fécond entre des typologies d’objets issus d’époques et de contextes variés, cherchant à déceler les influences autant que les coïncidences. L’exposition Les Flammes présente ainsi des céramiques réalisées par des artistes ou des céramistes modernes et contemporains (de Jean Carriès, Georg Ohr, Paul Gauguin, Shoji Hamada, Bernard Leach, Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Salvador Dali, Raoul Dufy, Lucio Fontana, Beatrice Wood, Ken Price, Ron Nagle, Cindy Sherman, Judy Chicago, Jean Girel, Simone Leigh, Dewar et Gicquel, Theaster Gates, Mai Thu Perret, Clare Twomey, Takuro Kuwata, Natsuko Uchino…), des productions historiques signées (de Bernard Palissy, Marie Talbot, Dave the Potter, ou des Manufactures nationales), ou encore non européennes (poterie Nok, jarres Mochica, figures Tang, réticulés iraniens, rakus japonais).

Visite commentée par Anne Dressen, commissaire de l’exposition.

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La Manufacture de Sèvres est un laboratoire unique, vivant et un acteur important de la scène artistique, du design et des arts décoratifs. Elle puise sa force dans l’excellence des 120 céramistes qui y exercent et maîtrisent une trentaine de métiers mais aussi dans celle de ses matériaux (pâtes, couleurs, émaux…) fabriqués in situ selon des techniques anciennes préservées et qui sont aujourd’hui des outils d’exception et privilégiés de l’expression artistique contemporaine.

Visite commentée dans les ateliers de production.

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