Les Activités passées

Cette année, Art Paris inaugurera le Grand Palais Éphémère au Champ-de-Mars, une spectaculaire structure temporaire du XXIe siècle imaginée par l’architecte Jean-Michel Wilmotte au pied de l’École Militaire. La 23ème édition de la foire réunit 140 galeries d’art moderne et contemporain d’une vingtaine de pays, venues majoritairement d’Europe, mais aussi de rivages plus lointains comme la Corée, la Colombie, la Côte d’Ivoire, le Guatemala ou l’Uruguay.

Visite libre avec introduction, le jour du vernissage

N.B. En raison du nombre de demandes et des jauges limitées, votre place ne sera garantie que lors de la réception d’un email de confirmation de la part des Amis.

Première exposition en France dédiée au couple formé par les deux artistes, organisée en étroite collaboration avec The Josef and Anni Albers Foundation à Bethany, Connecticut, elle sera également présentée à l'IVAM de Valence. Un lien intime et très complice a permis à Anni et Josef, tout au long de leur vie, de se soutenir, de se renforcer mutuellement, dans un dialogue permanent et respectueux. Ils ont non seulement produit une œuvre considérée aujourd'hui comme la base du modernisme, mais ont aussi imprégné toute une nouvelle génération d'artistes de leurs valeurs éducatives.

Visite avec Julia Garimorth, commissaire de l'exposition, en jour de fermeture du musée

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Première exposition en France dédiée au couple formé par les deux artistes, organisée en étroite collaboration avec The Josef and Anni Albers Foundation à Bethany, Connecticut, elle sera également présentée à l'IVAM de Valence. Un lien intime et très complice a permis à Anni et Josef, tout au long de leur vie, de se soutenir, de se renforcer mutuellement, dans un dialogue permanent et respectueux. Ils ont non seulement produit une œuvre considérée aujourd'hui comme la base du modernisme, mais ont aussi imprégné toute une nouvelle génération d'artistes de leurs valeurs éducatives.

Visite avec Julia Garimorth, commissaire de l'exposition, en jour de fermeture du musée

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(complet)

Exposition inédite sur la relation d’Alberto Giacometti à l’art égyptien, réalisée en collaboration avec le musée du Louvre, elle propose un parcours thématique qui met en dialogue des œuvres emblématiques de Giacometti et des prêts exceptionnels d’œuvres du musée du Louvre. Alberto Giacometti a toujours éprouvé une fascination pour les œuvres de l’Égypte antique, qu’il a dessinées tout au long de sa carrière. Cette inspiration de l’art égyptien est régulièrement présente, par ailleurs, dans la sculpture et la peinture, à la fois comme un répertoire de formes et comme une composante essentielle de sa conception esthétique.

Visite commentée

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L’Arc de Triomphe, Wrapped (Projet pour Paris, Place de l’Étoile-Charles de Gaulle) sera visible durant 16 jours, du samedi 18 septembre au dimanche 3 octobre 2021. Ce projet, conçu en 1961 et dont Christo souhaitait la
poursuite après sa disparition survenue le 31 mai 2020, sera réalisé par son équipe en partenariat avec le Centre des monuments (CMN). Il reçoit le soutien du Centre Pompidou et de la Ville de Paris.
L’Arc de triomphe sera empaqueté dans 25 000 m2 de tissu recyclable en polypropylène argent bleuté et 3 000 mètres de corde rouge de la même matière. L'Arc de Triomphe, Wrapped sera entièrement autofinancé par
l’Estate de Christo V. Javacheff grâce à la vente d’œuvres originales de Christo : dessins préparatoires, collages, maquettes, œuvres des années cinquante-soixante et lithographies. Comme tous les autres projets temporaires dans l'espace public de Christo et de Christo et Jeanne-Claude, il ne bénéficiera d’aucun autre financement public ou privé.
En accompagnant la réalisation de ce projet, le Centre des monuments nationaux témoigne de son engagement en faveur de la création contemporaine et de la mise en valeur de l’un des monuments les plus emblématiques de Paris et de France.
La Flamme de la Nation devant la tombe du Soldat Inconnu, sous l’Arc de Triomphe, continuera à brûler pendant le montage et le démontage ainsi que durant toute la période où l’œuvre sera visible.
Associations, bénévoles, volontaires attachés aux valeurs de la République continueront à s’y relayer pour assurer la continuité du souvenir et de la mémoire. Les cérémonies quotidiennes du ravivage de la Flamme ainsi
que les hommages au Soldat Inconnu auront lieu dans la solennité requise.
Le monument et sa terrasse resteront accessibles au public pendant toute la durée du projet.

Visite privée avec Laure Martin, Président de L'Arc de Triomphe empaqueté

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(complet)

Cette exposition événement réunit plus de 200 chefs-d’œuvre d’art moderne
français et russe des frères moscovites Mikhaïl Abramovitch Morozov (1870- 1903) et Ivan Abramovitch Morozov (1871-1921). Présentée pour la première fois hors de Russie, La Collection Morozov rassemble des œuvres majeures de Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Renoir, Monet, Bonnard, Denis, Matisse, Derain et Picasso aux côtés d’artistes emblématiques de l’avant-garde russe tels que Vroubel, Malevitch, Répine, Larionov, Sérov.
Organisée en partenariat avec le Musée d’État de l’Ermitage, le Musée d’État
des Beaux-Arts Pouchkine et la Galerie nationale Trétiakov, la Collection
Morozov constitue, après l’exposition de la Collection Chtchoukine, un autre
volet historique majeur consacré aux grands collectionneurs russes du début du 20ème siècle.

Visite commentée

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En 2001 et en 2017, le Museum of Modern Art de New York (MoMA) faisait l’acquisition de plus de 350 photographies provenant du collectionneur suisse Thomas Walther. Cet ensemble est présenté pour la première fois hors de New York, dans une exposition rassemblant environ 230 images. Comprenant des œuvres iconiques de la première moitié du XXe siècle, l’exposition permet d’écrire une histoire des avant-gardes photographiques européennes et américaines. À travers les œuvres d’une centaine de photographes, de Berenice Abbott à Karl Blossfeldt, de Claude Cahun à El Lissitzky, d’Edward Weston à André Kertész, la collection retrace l’histoire de l’invention de la modernité en photographie.

Accueil par Quentin Bajac, Directeur du musée et visite commentée

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Pour la première fois, le Musée Rodin et le Musée national Picasso-Paris s’unissent pour offrir un regard inédit sur ces artistes de génie qui ont ouvert la voie à la modernité dans l’art. L’exposition Picasso-Rodin invite à une relecture croisée des œuvres de Rodin (1840-1917) et Picasso (1881-1973), ces deux grands artistes ayant durablement bouleversés les pratiques artistiques de leur temps pour les générations à venir. Cette relecture croisée de leurs œuvres se décline en différents chapitres sur les deux lieux : le Musée Picasso se concentre notamment sur les processus créatifs des deux artistes. À des époques et dans des contextes différents, Rodin et Picasso participent à une articulation décisive de l’histoire et sans doute est-ce là une des clés de leurs similitudes. À leur façon, ils inventent un nouveau mode de représentation, expressionniste chez Rodin, cubiste chez Picasso.

Visite introduite par la commissaire d'exposition, Mme Virginie Perdrisot-Cassan.

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A l’invitation du Petit Palais, Jean-Michel Othoniel investit la totalité du musée et son jardin avec l'exposition Le Théorème de Narcisse. Il s’agit de la plus grande exposition personnelle de l’artiste à Paris depuis sa rétrospective « My Way » au Centre Pompidou en 2011. Pour l’occasion, en plus de 70 œuvres nouvelles, Othoniel invente Le Théorème de Narcisse : un homme-fleur, qui en se reflétant lui-même, reflète le monde autour de lui. L’artiste tisse une toile d’irréalité, d’enchantement, d’illusion, de libération de l’imagination. Rivières de briques bleues, Lotus et Colliers d’or, Couronne de la Nuit, Nœuds Sauvages et Precious Stonewall miroitants, ces œuvres sont enchâssées dans le bâtiment, suspendues aux arbres ou posées sur l’eau ; elles dialoguent avec l’architecture du Petit Palais et les ors de son jardin. Cette exposition est placée sous le signe du ré-enchantement et de la théorie des reflets que l’artiste développe depuis près de dix ans avec la complicité du mathématicien mexicain Aubin Arroyo. Elle a été organisée avec le soutien de la galerie Perrotin et mécénée par Christian Dior Parfums dans le cadre de ses Jardins culturels.

Accueil de Christophe Leribault, directeur du Petit Palais. Visite avec Juliette Singer, commissaire de l'exposition, et rencontre de l'artiste Jean-Michel Othoniel.

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Le Centre Pompidou présente la première rétrospective en France de Georgia O’Keeffe (1887 – 1986), l’une des plus grandes figures de l’art nord-américain du 20e siècle. Riche d’une centaine de peintures, dessins et photographies, l'exposition propose un parcours complet à travers sa carrière artistique. Disparue à 98 ans, Georgia O’Keeffe aura traversé l’essentiel des aventures esthétiques du siècle précédent. Dans les années 1920, elle appartient au cercle restreint des inventeurs du modernisme américain, puis participe, dans les années 1930, à la recherche identitaire qui marque les États-Unis, avant de devenir dans les années 1960 une pionnière de la peinture abstraite « hard edge ». Au-delà des peintures de fleurs qui ont fait sa renommée, l’exposition « Georgia O'Keeffe » au Centre Pompidou restitue à son œuvre sa complexité et sa richesse iconographique. Si l’inspiration végétale est un motif récurrent de l’artiste, l’exposition la replace dans une tradition qui s’enracine dans le grand sentiment de la nature hérité du Romantisme historique.

Visite commentée par Mme Anna Hiddleston, collaboratrice du commissaire d'exposition Didier Ottinger.

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Redécouvrez le Musée Carnavalet, fraîchement rénové après 4 ans de travaux, avec l'exposition photographique Revoir Paris. Pour sa première exposition après réouverture, le musée s’associe avec la Fondation Henri Cartier-Bresson pour mettre en lumière l’importance de Paris dans la vie et l’œuvre d’Henri Cartier-Bresson, l’un des plus grands photographes français du 20e siècle. Le musée revisite les liens tissés par l’artiste avec une ville où il a toujours habité et qui l’a nourri artistiquement. Après des débuts marqués par l’influence du photographe Eugène Atget et des artistes surréalistes, Cartier-Bresson se découvre voyageur au long cours, avec Paris comme port d’attache. Dans cette ville, qu’il ne cesse de redécouvrir, c’est d’abord l’être humain qui l’intéresse. Il le saisit dans la rue ou à l’occasion de rencontres.

Visite commentée par Anne de Mondenard et Agnès Sire, commissaires de l'exposition

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Carte blanche à la Fondation Dapper : l’artiste camerounais Barthélémy Toguo. Un art engagé et sensible qui explore les dysfonctionnements du monde actuel pour mieux les dénoncer en puisant, entre autres, dans les cultures de l’Afrique. Avec un fil inédit, sont mises en résonance certaines œuvres de l’artiste avec des pièces d’arts anciens africains. Figure originale et centrale de la scène artistique internationale, Barthélémy Toguo (né en 1967) vit et travaille entre le Cameroun et la France. Il cherche, à travers ses créations, à éveiller les consciences. Mû par le besoin de créer pour témoigner, il conçoit une œuvre en prise directe avec les grands bouleversements du monde actuel (guerres, abus de pouvoir, immigration, famine, dangers).

Visite commentée.

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(Complet)

Un an après l’explosion du 4 août 2020 qui a ravagé le port de Beyrouth, l’Institut du monde arabe rend hommage à la vitalité et à la résilience de la scène artistique libanaise avec l'exposition Lumières du Liban. Art moderne et contemporain de 1950 à aujourd'hui. Avec cette exposition, l’IMA célèbre la prodigieuse créativité des artistes modernes et contemporains du Liban et de ses diasporas, du lendemain de son indépendance en 1943 jusqu’à nos jours. L'exposition présente plus d’une centaine d’œuvres réalisées par 55 artistes sont révélées pour l’occasion, dont notamment celles de de Shafic Abboud, Etel Adnan, Saliba Douaihy, Paul Guiragossian et bien d'autres.

Visite avec le commissaire de l'exposition.

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(Complet - d'autres créneaux sont disponibles en novembre et décembre)

L’exposition Les Flammes. L'Âge de la céramique propose une immersion dans le médium de la céramique et associe plus de 350 pièces allant du néolithique jusqu’à nos jours, créant un dialogue inédit et fécond entre des typologies d’objets issus d’époques et de contextes variés, cherchant à déceler les influences autant que les coïncidences. L'exposition Les Flammes présente ainsi des céramiques réalisées par des artistes ou des céramistes modernes et contemporains (de Jean Carriès, Georg Ohr, Paul Gauguin, Shoji Hamada, Bernard Leach, Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Salvador Dali, Raoul Dufy, Lucio Fontana, Beatrice Wood, Ken Price, Ron Nagle, Cindy Sherman, Judy Chicago, Jean Girel, Simone Leigh, Dewar et Gicquel, Theaster Gates, Mai Thu Perret, Clare Twomey, Takuro Kuwata, Natsuko Uchino...), des productions historiques signées (de Bernard Palissy, Marie Talbot, Dave the Potter, ou des Manufactures nationales), ou encore non européennes (poterie Nok, jarres Mochica, figures Tang, réticulés iraniens, rakus japonais).

Visite commentée par Anne Dressen, commissaire de l'exposition, en jour de fermeture du musée.

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Pendant cette double visite, nous découvrirons dans un premier temps l'exposition-hommage à Gérard Fromanger proposée par le département Post-War & Contemporain d'Artcurial, avec sa commissaire Caroline Smulders. Ensuite, nous nous rendrons Private Choice, pour découvrir l'édition 2021 de ce salon avec la fondatrice Nadia Candet, une collection inédite d'd’œuvres d’art et de design de plus de 66 créateurs du monde entier.

C’est sous le thème de l’Odyssée que Private Choice célèbre sa Xe édition cet automne durant la FIAC. Un rendez-vous unique dans le cadre intime de deux appartements d’un immeuble haussmanien. La sélection est le fruit d’un minutieux travail d’exploration de la scène artistique contemporaine : tout au long de l’année, Nadia Candet et son équipe visitent les ateliers de jeunes prodiges comme d’artistes confirmés, à la recherche de pépites à révéler aux collectionneurs.

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(Complet)

Fondée en 2014 par Claude Fain et Alexandra Fain, ASIA NOW a pour but de présenter les nouvelles perspectives et enjeux de l’art contemporain asiatique et de son marché : la valeur de ses artistes, son potentiel de développement et ses stars montantes.

Première foire parisienne dédiée exclusivement à la scène artistique contemporaine d’Asie, ASIA NOW présente, du 21 au 24 octobre 2021, une 7ème édition. Plateforme idéale de dialogue et d’échanges dédiée à la création contemporaine asiatique, ASIA NOW aborde chaque année plus en profondeur certaines scènes artistiques, à travers une programmation spéciale et une plate-forme curatoriale.

Le premier évènement organisé par ASIA NOW est l'exposition The Writings of Today are a Promise for Tomorrow de Zheng Guogu et du Yangjiang Group et curaté par Dr. Martina Koppel-Yang au Palazzo Morozini pendant la 56ème Biennale de Venise. Pendant cette édition sera aussi présenté le programme Burning Wings de vidéo d’artistes femmes iraniennes, sous le commissariat d’Odile Burluraux, conservatrice au MAM.

Visite de groupe avec médiateur le jour du vernissage.

(Complet)

Foire d’art moderne et contemporain, Moderne Art Fair est le nouveau rendez-vous parisien de la scène artistique française et internationale, de l'art moderne et contemporain au design. Elle réunit pendant 6 jours les acteurs du marché de l’art et du design : galeries, passionnés et amateurs, collectionneurs et décorateurs dans une ambiance conviviale.

Créée en 2021, résolument tournée vers l’art moderne, l’art contemporain et le design, cette première édition met en commun l’expertise et l’expérience d’une équipe de professionnels du monde de l’art et de la promotion d’événements artistiques parisiens, spécialisés en art moderne et en design contemporain.
Moderne Art Fair, positionnée au cœur de la vague artistique du XXe siècle, est alors née d’une longue réflexion joignant connaissance et indépendance à un esprit résolument familial, créant ainsi un univers de choix où l’impossible n’est jamais un obstacle : c’est la plus belle des réponses artistiques à un public de plus en plus exigeant, quel qu’il soit.
Déjà, cette première édition s’annonce très attendue auprès des férus d’art, réunissant près de 60 galeries qui présentent un choix d’artistes consacrés du XXe et XXIe siècle.

Visite avec médiateur.

N.B. En raison du nombre de demandes et des jauges limitées, votre place ne sera garantie que lors de la réception d’un email de confirmation de la part des Amis.

L’exposition Les Flammes. L'Âge de la céramique propose une immersion dans le médium de la céramique et associe plus de 350 pièces allant du néolithique jusqu’à nos jours, créant un dialogue inédit et fécond entre des typologies d’objets issus d’époques et de contextes variés, cherchant à déceler les influences autant que les coïncidences. L'exposition Les Flammes présente ainsi des céramiques réalisées par des artistes ou des céramistes modernes et contemporains (de Jean Carriès, Georg Ohr, Paul Gauguin, Shoji Hamada, Bernard Leach, Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Salvador Dali, Raoul Dufy, Lucio Fontana, Beatrice Wood, Ken Price, Ron Nagle, Cindy Sherman, Judy Chicago, Jean Girel, Simone Leigh, Dewar et Gicquel, Theaster Gates, Mai Thu Perret, Clare Twomey, Takuro Kuwata, Natsuko Uchino...), des productions historiques signées (de Bernard Palissy, Marie Talbot, Dave the Potter, ou des Manufactures nationales), ou encore non européennes (poterie Nok, jarres Mochica, figures Tang, réticulés iraniens, rakus japonais).

Visite commentée par Anne Dressen, commissaire de l'exposition.

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(Complet)

Le musée d'art et d’histoire du Judaïsme consacre l'exposition Chagall, Modigliani, Soutine... Paris pour Ecole. 1905-1940 à la génération d'artistes arrivés entre 1904 et 1940 à Paris. Parmi ces hommes et femmes, nombreux sont les artistes juifs venus des grandes métropoles européennes, mais aussi de l’Empire russe, qui cherchent une émancipation artistique, sociale et religieuse. Ils ne sont d’aucune « École » au sens traditionnel, mais ont une histoire commune. L'exposition retrace les raisons de l'installation de ces artistes à Paris, les liens qui les unissent, le cadre historique et politique de leur œuvre et, bien sûr, leur participation à une scène artistique dans ce qui est alors la capitale de l’art.

Visite en nocturne avec Pascale Samuel, commissaire de l'exposition.

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(Complet)

L’exposition Ettore Sottsass. L'objet magique réunit un ensemble unique de pièces historiques majeures du designer italien Ettore Sottsass (1917-2007), des années 1940 aux années 1980. Plus de quatre cents œuvres (dessins, peintures, objets de design), cinq cents photographies et deux cents documents inédits issus des archives de la bibliothèque Kandinsky, mettent l’accent sur toutes les composantes créatrices de son œuvre. Designer, architecte, écrivain, Ettore Sottsass Jr. (Innsbruck, Autriche, 1917 - Milan, Italie, 2007) est un précurseur à chaque période de sa vie. Opposé au rationalisme, il ne cesse de revendiquer une expérience émotionnelle des objets. Il envisage le design comme une manière de refonder l’architecture, ainsi que de tisser un lien nouveau entre l’homme et les objets : "J’ai toujours pensé que le design commençait là où finissent les processus rationnels et où commencent ceux de la magie".

Visite avec Marie-Ange Brayer, commissaire de l'exposition.

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Chaque année, au mois de novembre, PhotoSaintGermain réunit une sélection de musées, centres culturels, galeries et librairies de la rive gauche autour d’un parcours photographique. Rencontres, projections, signatures et visites d’atelier rythment la programmation, en regard des expositions présentées.

Un parcours guidé avec Aurélia Marcadier, directrice, vous ammenera dans 5 galeries principales de la rive gauche et vous introduira à la sélection PhotoSaintGermain de cette année.

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Créée en 2014, sous l’impulsion de Laurent Dumas, Président du Groupe Emerige, la Bourse Révélations Emerige est un programme annuel destiné à accompagner les artistes de moins de 35 ans en association avec une galerie d’envergure internationale. L’appel à candidature s’adresse à tous les jeunes artistes résidant ou travaillant en France et qui ne sont pas représentés par une galerie. Pour cette 8ème édition, douze artistes ont été sélectionnés cette année parmi près de 1 000 dossiers de candidature dans toutes les disciplines (peinture, dessin, installation, vidéo, photographie, sculpture…) et présenteront leur travail dans le cadre de l’exposition Fireplaces conçue par Gaël Charbau.

Visite de l'exposition avec Gaël Charbau, commissaire, et rencontre de certains des 12 artistes présentés.

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AKAA, foire internationale d'art contemporain et de design, vous présente sa prochaine édition, de retour sous les verrières du Carreau du Temple. Avec 39 galeries internationales et plus de 100 artistes présents, venus des quatre coins du monde, AKAA s’est érigé, en six éditions, en événement incontournable pour les collectionneurs, professionnels et amateurs d’art contemporain.

Introduction de la fondatrice de la foire, visite avec conférencier suivie d'un cocktail dans l'espace VIP.

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Sous la direction artisitque d'Emilia Guenardi, A PPR OC HE est un salon indépendant pour l'expérimentation du médium photographique. C'est un manifeste approuvant l’ouverture sans limite de la pratique empirique de la photographie, qui n’a cessé de mener une évolution technique, culturelle et sémantique. La photographie s’accorde donc ici un positionnement de choix en résiliant son concept de cliché fixe. Le salon est abrité dans l'hôtel particulier Le Molière et conçu comme une exposition, avec un regard curatorial, composé uniquement de solo shows.

Introduction suivie par une visite libre.

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La MEP présente la première grande rétrospective consacrée au photographe franco-camerounais Samuel Fosso. Cette exposition majeure qui couvre 50 ans de carrière, revient sur une œuvre qui occupe aujourd’hui une place centrale sur la scène artistique internationale. Si le genre de l’autofiction, et plus particulièrement de l’autoportrait, a été largement employé par les artistes à partir des années 1970, Samuel Fosso a donné à cette pratique une nouvelle portée, à la fois politique et historique, fictionnelle et intime.

Si le genre de l’autofiction, et plus particulièrement de l’autoportrait, a été largement employé par les artistes à partir des années 1970, Samuel Fosso a donné à cette pratique une nouvelle portée, à la fois politique et historique, fictionnelle et intime. Incarner devant l’objectif des personnalités marquantes de l’Histoire et des archétypes sociaux constitue pour Fosso le moyen d’exister au monde autant qu’une démonstration du pouvoir du médium photographique dans la construction d’une figure, d’un mythe.

Visite avec Clothilde Morette, commissaire de l'exposition.

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(Complet)

Depuis plus de 10 ans, lʼ'artiste Eva Jospin compose des paysages forestiers et minéraux exclusivement à partir de carton. La sobriété du matériau initial et la présence monumentale des sculptures contrastent avec le caractère extrêmement minutieux et détaillé des découpes imitant avec perfection les détails des paysages naturels. Elle est invitée à l'automne 2021 à investir les salles du Musée. Au Musée de la Chasse et de la Nature, ayant rouvert ses portes au printemps dernier après deux années de travaux, l'œuvre principale d'Eva Jospin sera un espace à traverser.

Un pan de forêt découpé, caractéristique du style unique de lʼartiste, dans lequel sʼouvre une galerie à la fois végétale et architecturée, faite de plinthes et de niches à la manière dʼun studiolo de la Renaissance italienne. Lʼinstallation joue de la découverte, et du dialogue entre intérieur et extérieur : un foisonnement structuré dans lequel sʼouvrent tantôt un reliquaire, hôte dʼun nouvel objet, tantôt une archère donnant discrètement sur la salle et ses passants.

L'exposition se propagera dans les salles supérieures du musée : les œuvres de papier y poursuivront le dialogue entre végétation, caches, monde animalier, interventions et rituels : un vocabulaire commun qu'Eva Jospin décline autant qu'elle incise dans les collections permanentes. 

Visite introduite par Christine Germain, directrice du musée.

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(Complet)

Open Space est un programme de la Fondation Louis Vuitton dédié à la création dans ses expressions les plus actuelles. Des artistes nationaux et internationaux sont invités à imaginer un projet spécifique. Nomade dans le bâtiment de Frank Gehry, Open Space se déroule selon un rythme régulier.

La pratique artistique de Bianca Bondi opère à la fois par un mélange de méthode et d’expérimentation matérielle. Elle sélectionne les matériaux en fonction de leurs propriétés intrinsèques ou de leur potentiel de transformation, dont les combinaisons créent des surfaces étranges et nouvelles. Inspiré par les sciences occultes, son processus de travail peut être comparé à une pratique rituelle ou à une alchimie instinctive.

A travers ses vidéos d’animations en noir et blanc, Özgür Kar donne vie à des personnages anthropomorphes en proie à de profonds questionnements existentiels. Sur des écrans plats apparaissent des corps masculins sommairement esquissés, contraints dans des positions inconfortables.

Visite avec Ludovic Delalande et Claire Staebler, commissaires de l'exposition.

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(Complet)

Dans l'exposition Signac Collectionneur, le Musée d'Orsay présente la collection Signac comme un véritable cas d'école car elle reflète le regard et les partis-pris d'un artiste particulièrement actif sur la scène artistique de son temps. La collaboration avec les archives Signac, qui conservent, outre la correspondance de l'artiste, les carnets où il consignait ses achats, permet d'établir un recensement précis des peintures, dessins et estampes qui lui ont appartenu.

Autodidacte, Signac apprend son métier en regardant les œuvres des impressionnistes, en particulier celles de Claude Monet, d'Edgar Degas, de Gustave Caillebotte ou d'Armand Guillaumin qui pour la plupart figurent dans sa collection. Sa première acquisition est un paysage de Paul Cézanne.

Visite avec conférencier.

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(Complet)

Pour sa première exposition monographique, la fondation Lafayette Anticipations invite Martin Margiela à prendre possession et métamorphoser l’ensemble de ses espaces.

Entre installations, sculptures, collages, peintures et film, cette exposition présente plus d’une quarantaine d’œuvres inédites et poursuit une hypothèse : Martin Margiela a toujours été un artiste. Reconnu internationalement depuis la fin des années 80 dans le domaine de la mode, il s’est attaché, durant toute sa carrière de créateur, à en bouleverser un à un les codes au travers de défilés, de matières et de silhouettes devenus depuis des révolutions conceptuelles et esthétiques. Pensée comme une œuvre d’art totale, l’exposition à la fondation Lafayette Anticipations est une expérience qui poursuit l’obsession de l’artiste pour la transformation et le détournement.

Visite en nocturne avec conférencier.

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(Complet)

Le musée de l’Orangerie présente l'exposition Chaïm Soutine / Willem de Kooning, la peinture incarnée faisant dialoguer les œuvres de Chaïm Soutine (1893–1943), peintre de l’École de Paris d’origine russe (actuelle Biélorussie) et de Willem de Kooning (1904-1997), expressionniste abstrait américain d’origine néerlandaise. Cette exposition s’attachera plus spécifiquement à explorer l’impact de la peinture de Soutine sur la vision picturale du grand peintre américain.

Soutine a en effet marqué la génération des peintres d’après-guerre par la force expressive de sa peinture et sa figure d’« artiste maudit », aux prises avec les vicissitudes et les excès de la bohème parisienne. Son œuvre a été particulièrement visible aux États-Unis entre les années 1930 et 1950, moment où l’artiste figuratif de tradition européenne est relu à l’aune des théories artistiques nouvelles. C'est précisément au tournant des années 1950 que Willem de Kooning entame le chantier pictural des Woman, toiles dans lesquelles se construit un expressionnisme singulier, entre figuration et abstraction. L'élaboration de ce nouveau langage correspond au moment où le peintre convoque l’univers artistique de Chaïm Soutine et s’y confronte. De Kooning découvre les tableaux de son prédécesseur dès les années 1930, puis à la rétrospective qui consacre le peintre au Museum of Modern Art à New York en 1950. L'exposition mettra en dialogue les univers singuliers de ces deux artistes au travers d’une cinquantaine d’œuvres articulées autour de thématiques essentielles : la tension entre la figure et l'informe, la peinture de la « chair », la pratique picturale « gestuelle » des deux artistes.

Visite avec conférencier.

N.B. En raison du nombre de demandes et des jauges limitées, votre place ne sera garantie que lors de la réception d’un email de confirmation de la part des Amis.

L’exposition Les Flammes. L'Âge de la céramique propose une immersion dans le médium de la céramique et associe plus de 350 pièces allant du néolithique jusqu’à nos jours, créant un dialogue inédit et fécond entre des typologies d’objets issus d’époques et de contextes variés, cherchant à déceler les influences autant que les coïncidences. L'exposition Les Flammes présente ainsi des céramiques réalisées par des artistes ou des céramistes modernes et contemporains (de Jean Carriès, Georg Ohr, Paul Gauguin, Shoji Hamada, Bernard Leach, Marcel Duchamp, Meret Oppenheim, Pablo Picasso, Salvador Dali, Raoul Dufy, Lucio Fontana, Beatrice Wood, Ken Price, Ron Nagle, Cindy Sherman, Judy Chicago, Jean Girel, Simone Leigh, Dewar et Gicquel, Theaster Gates, Mai Thu Perret, Clare Twomey, Takuro Kuwata, Natsuko Uchino...), des productions historiques signées (de Bernard Palissy, Marie Talbot, Dave the Potter, ou des Manufactures nationales), ou encore non européennes (poterie Nok, jarres Mochica, figures Tang, réticulés iraniens, rakus japonais).

Visite commentée par Anne Dressen, commissaire de l'exposition.

N.B. En raison du nombre de demandes et des jauges limitées, votre place ne sera garantie que lors de la réception d’un email de confirmation de la part des Amis.

Anselm Kiefer est le premier plasticien à investir l’intégralité de l’espace du Grand Palais Éphémère, pour un projet inédit. Avec l'exposition Anselm Kiefer. Pour Paul Celan, l'artiste poursuit son travail sur la mémoire européenne, traversée par ses conflits. Installées dans les volumes uniques du Grand Palais Éphémère au moyen d’une scénographie minimale, des sculptures, des installations et des toiles de grand format, conçues entre 2015 et 2021, interagissent avec la poésie inapaisée du grand poète de langue allemande Paul Celan.

Suite à une introduction par la cheffe des relations publiques, la visite se déroulera librement.

Nous avons bien pris en compte votre demande. En raison des jauges limitées, votre inscription sera confirmée lorsque vous recevrez un mail de validation de bureau@samam.fr (environ deux semaines avant la visite).

Fondé par Condé Nast en 1920, Vogue Paris est aujourd’hui le plus ancien des magazines de mode français toujours publié. Paris y est figurée comme le cœur de la vie culturelle et artistique et la Parisienne y incarne la femme Vogue. Vogue Paris est un acteur majeur de la mode, questionnant les notions de goût, de beauté et d’élégance. L’exposition témoigne de la capacité de création, d’adaptation et d’anticipation qui, pendant 100 ans, a caractérisé le magazine

Visite avec la commissaire d'exposition Sylvie Lecallier.

Nous avons bien pris en compte votre demande. En raison des jauges limitées, votre inscription sera confirmée lorsque vous recevrez un mail de validation de bureau@samam.fr (environ deux semaines avant la visite).

À l’occasion du centenaire de la naissance de Joseph Beuys (1921-1986), qui a donné lieu durant toute l’année 2021 à de nombreux événements à travers le monde, le Musée d’Art Moderne de Paris présente cette exposition, inaugurée auparavant présentée au Cabinet d’estampes, de dessins et de photographies de Dresde. Joseph Beuys a réalisé au cours de sa vie plus de 10 000 dessins. Ce volume permet d’apprécier la place centrale de cette pratique, et constitue une source inépuisable pour la compréhension de cet artiste, l’un des plus emblématiques du XXe siècle.

Près d'une centaine de dessins exposés ici ont un caractère hautement symbolique. Issus de la collection de la famille Beuys, cet ensemble exceptionnel qui recouvre toute la carrière de l'artiste n'avait jamais été exposé dans sa totalité.

Visite avec Fanny Schulmann, commissaire de l'exposition, le jour de fermeture du musée.

Nous avons bien pris en compte votre demande. En raison des jauges limitées, votre inscription sera confirmée lorsque vous recevrez un mail de validation de bureau@samam.fr (environ deux semaines avant la visite).

Le récit de Clement Greenberg aura dominé la pensée de l’abstraction durant des décennies. Dans le contexte artistique actuel qui ne cesse de remettre en question les axiomes occidentalo-centrés et genrés de l’histoire de l’art, l'exposition propose une lecture plurielle et inédite de l’abstraction. La fondation Pernod Ricard propose une sélection d’oeuvres d’une dizaine d’artistes — Laëtitia Badaut, Haussmann, N Dash, Adélaïde Fériot, Vidya Gastaldon, Loie Hollowell, Seulgi Lee, Ad Minoliti, Ulrike Müller, Serge Alain Nitegeka, Rafaël Rozendaal, Stéphanie Saadé, Daniel Steegmann Mangrané — qui, de diverses façons, remettent en question le mythe greenbergien de l’abstraction comme moyen pour la peinture de ne parler que d’elle-même.

Visite avec Marjolaine Lévy, commissaire de l'exposition.

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Activité réservée exclusivement aux membres Bienfaiteurs et Donateurs.

Seconde création de Crystal Pite pour le Ballet de l’Opéra national de Paris, Body and Soul déploie des vagues de mots, de gestes, qui forment la matière d’un scénario secret. À travers le mouvement des danseurs, la parole d’une femme ne cesse de s’incarner, comme un duo entre le corps et l’âme. Abordant le thème du deuil, la chorégraphe canadienne met en scène les pulsions contraires qui mettent au défi l’unité de chacun. Dans une pénombre mystérieuse, baignée d’effets sonores, ce ballet en trois actes d’une grande puissance dramatique file, non sans humour, vers un final tonique et exubérant.

Séance en présence de la chorégraphe Crystal Pite.

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Le musée Marmottan Monet organise la première exposition jamais consacrée à Julie Manet, fille unique de Berthe Morisot et nièce d’Edouard Manet. Légataire de Julie Manet par l’intermédiaire de ses enfants, dépositaire du premier fonds mondial de l’œuvre de Berthe Morisot mais aussi des collections de la famille, le musée Marmottan Monet souhaite apporter un éclairage sur le rôle de Julie Manet dans la vie des arts.

Introduction de la Présidente des Amis du Musée Marmottant Monet, visite avec audioguide.

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Baselitz. La rétrospective est la première exposition exhaustive consacrée à Georg Baselitz, avec la complicité de l’artiste. Quelque six décennies de création sont abordées au Centre Pompidou selon un parcours chronologique qui met en valeur les périodes les plus marquantes du travail de l’artiste né en 1938.

Visite privée avec Pamela Sticht, co-commissaire de l'exposition, le jour de fermeture du musée.

En raison des jauges limitées, votre inscription sera confirmée lorsque vous recevrez un mail de validation de bureau@samam.fr (environ deux semaines avant la visite).

L’exposition propose d’investir l’Ubuntu, un espace encore infréquenté de nos imaginaires. Complexe à traduire dans les langues occidentales, le sens de ce terme, issu des langues Bantous du Sud de l’Afrique, conjugue les notions d’humanité, de collectif et d’hospitalité et peut être interprété ainsi : « Je suis parce que nous sommes ». L’exposition entend témoigner de ces dynamiques de recomposition du monde peuplées de rêves lucides et réunit les propositions d’une vingtaine d’artistes dont les œuvres entrent en résonance avec la philosophie Ubuntu.

Visite avec Marie-Ann Yemsi, commissaire.

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À l’occasion du centenaire de la naissance de Joseph Beuys (1921-1986), qui a donné lieu durant toute l’année 2021 à de nombreux événements à travers le monde, le Musée d’Art Moderne de Paris présente cette exposition, inaugurée auparavant présentée au Cabinet d’estampes, de dessins et de photographies de Dresde. Joseph Beuys a réalisé au cours de sa vie plus de 10 000 dessins. Ce volume permet d’apprécier la place centrale de cette pratique, et constitue une source inépuisable pour la compréhension de cet artiste, l’un des plus emblématiques du XXe siècle.

Près d'une centaine de dessins exposés ici ont un caractère hautement symbolique. Issus de la collection de la famille Beuys, cet ensemble exceptionnel qui recouvre toute la carrière de l'artiste n'avait jamais été exposé dans sa totalité.

Visite avec Fanny Schulmann, commissaire de l'exposition, le jour de fermeture du musée.

Nous avons bien pris en compte votre demande. En raison des jauges limitées, votre inscription sera confirmée lorsque vous recevrez un mail de validation de bureau@samam.fr (environ deux semaines avant la visite).

La nouvelle fondation Art Explora s’est associée avec la Cité internationale des arts pour co-construire un programme de résidences inédit à destination des artistes et chercheur·euses du monde entier. Le programme donne la possibilité à ces artistes et chercheur·seuses de développer un travail de recherche et de création au cœur de Paris, en lien avec la scène artistique et professionnelle française.

Visite avec Zoé Dailey, responsable des projets artistiques, et des artistes sur place.

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Brankiça Zilović est diplômée des Beaux-Arts de Paris où elle a fréquenté les ateliers de Vladimir Veličković et de Dominique Gauthier. L’univers du textile s'est progressivement imposé dans sa pratique pour devenir son médium exclusif. Son œuvre est marquée par l’histoire de la Serbie et la problématique plus large des migrations et de la frontière, mêlant biographie individuelle et collective. Elle coud, tisse et brode, créé des installations, compositions et dessins. Ses œuvres sont des actes mémoriels dans lesquelles l’accumulation, la répétition et l’abnégation lui permettent de laisser évoquer des paysages mentaux.

À la dernière édition de Private Choice, elle était le "coup de cœur" de Fabrice Hergott, directeur du MAM et membre du comité d'experts de la foire.

Visite avec l'artiste.

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Au début du siècle dernier à Paris, Zadkine est l’un des artistes qui inventent, en se tournant vers le "primitif", un nouveau langage sculptural. La radicalité de son œuvre témoigne alors, bien au-delà de recherches formelles, d’une défiance envers la civilisation moderne et ses valeurs.

L’Âme primitive met en regard et en perspective les œuvres d’Ossip Zadkine et de quelques artistes de son temps avec celles d’une sélection d’artistes vivants et de la deuxième moitié du XXe siècle dont la création puise aux mêmes sources, emprunte les mêmes questionnements. Près de cent œuvres sont réunies dans le parcours.

Visite avec la commissaire d'exposition Jeanne Brun.

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Figure majeure de l’art de notre temps, le sculpteur américain Charles Ray (né en 1953) fait l’actualité culturelle de ce début d’année jusqu’au printemps. En dialogue avec l’artiste, la Bourse de Commerce — Pinault Collection lui consacre une carte blanche inédite en France et en Europe par son ampleur. Entre formalisme et réflexion sur la représentation et sur l’individu, Charles Ray joue avec la notion d’échelle, le recours au réalisme comme à la stylisation.

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La Manufacture est un laboratoire unique, vivant, et un acteur important de la scène artistique, du design et des arts décoratifs. Elle puise sa force dans l’excellence des 120 céramistes qui y exercent et maîtrisent une trentaine de métiers mais aussi dans celle de ses matériaux (pâtes, couleurs, émaux...) fabriqués in situ selon des techniques anciennes préservées et qui sont aujourd'hui des outils d'exception et privilégiés de l'expression artistique contemporaine.

Visite commentée.

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L'exposition Formes du transfert invite à parcourir rétrospectivement une décennie de création issue du programme des Résidences d'artistes de la Fondation d'entreprise Hermès. Cuir, argent, soie et cristal sont les nobles matériaux qui caractérisent les œuvres de 31 artistes réunis aux Magasins Généraux de Pantin, au sein des manufactures de la maison Hermès.

Visite avec Gaël Charbau, commissaire de l'exposition.

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Créé en 2017, le Drawing Lab est un centre d’art privé entièrement dédié à la promotion du dessin contemporain. En mars il sera investi par l'artiste Chourouk Hriech, diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Lyon et ayant exposé, entre autres, à la 8ème Biennale de Shanghai, au MAMCO à Genève, au Musée d’art contemporain de Marseille, au MAC Lyon... Le commisariat est assuré par Jérôme Sans, co-fondateur du Palais de Tokyo à Paris qu’il a dirigé durant les six premières années.

Présence de l'artiste et du commissaire Jérôme Sans.

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D’un format inédit, Yves Saint Laurent aux musées est une exposition anniversaire qui se déploie dans six musées parisiens et célèbre le 60e anniversaire du premier défilé d’Yves Saint Laurent. Elle illustre la continuité et la profonde unité des liens que le couturier tisse avec l’art mais aussi avec les collections publiques françaises.

Visite privée avec Charlotte Barat, commissaire de l'exposition, le jour de fermeture du musée.

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Présentée successivement à Prague, Hambourg et Paris, cette rétrospective de l’œuvre de Toyen (1902-1980) constitue un événement qui permettra de découvrir le parcours singulier d’une artiste qui se sera servi de la peinture pour interroger l’image. Née à Prague, Toyen va traverser le siècle en étant toujours à la confluence de ce qui s’y produit de plus agitant. Au cœur de l’avant-garde tchèque, elle crée avec Jindrich Styrsky « l’artificialisme » se réclamant d’une totale identification « du peintre au poète », constituant entre 1926 et 1929 une saisissante préfiguration de l’« abstration lyrique » des années cinquante. Leur réflexion sur un espace des profondeurs les font se rapprocher du surréalisme pour créer en 1934, le groupe surréaliste tchèque.

Visite avec la commissaire Annie Le Brun le jour de fermeture du musée.

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Le MAM présente la première rétrospective consacrée à Anita Molinero dans une institution parisienne. Cette exposition retrace les différentes phases de son évolution artistique : des premières œuvres de la fin des années 1980 jusqu’à ses dernières réalisations. Souvent monumentales et chaotiques, ses œuvres défigurent des objets usuels et des matériaux triviaux : poubelles, tuyaux d’échappement, fers à béton, polystyrène extrudé et autres rebuts de la société de consommation. Elle transforme la matière dont elle parvient à déployer toute la brutalité et l'instabilité.

Visite avec la commissaire Olivia Gaultier, le jour de fermeture du musée.

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L’impressionnisme est rarement associé au terme décoration. Pas plus aux murs, aux objets, éventails, céramiques et autres bas-reliefs. Pourtant, des œuvres impressionnistes regardées aujourd’hui comme des tableaux de chevalet – paysages, fleurs ou scènes de la vie moderne – ont d’abord été conçues comme des décorations. Soucieux de la place du beau dans la vie quotidienne, les artistes impressionnistes en ont fait un terrain d’expérimentation, s’aventurant sur des supports variés dont ils ont exploré toutes les possibilités.

Visite avec Sylvie Patry, directrice des collections.

En raison des jauges limitées, votre inscription sera confirmée lorsque vous recevrez un mail de validation de bureau@samam.fr (environ deux semaines avant la visite).

Le PAD, 1er salon de Design créé au monde en 1998, est l’événement fondateur et incontournable pour les collectionneurs internationaux de Design.

Chaque année, un jury sélectionné désigne le Prix du Stand, le Prix du Design Contemporain, le Prix du Design du XXème siècle, et le Prix du Jeune Designer, en récompensant la scénographie, la sélection des œuvres et le caractère distinctif que chaque pièce apporte à la signature du salon.

Visite le jour du vernissage, avec un conférencier.

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Propulsé par le succès de son édition de septembre 2021 qui a inauguré le Grand Palais Éphémère au Champ-de-Mars, Art Paris rebondit au printemps, du 7 au 10 avril 2022, avec une liste de haut vol de 130 galeries d’une vingtaine de pays. Confié à Alice Audouin, commissaire d’expositions indépendante spécialiste de l’environnement et fondatrice de l’association Art of Change 21, le thème de cette édition "Art et Environnement" met en avant une sélection de dix-sept artistes dont les pratiques s’emparent des enjeux environnementaux tels que la crise climatique ou la destruction de la biodiversité.

Visite le jour du vernissage, introduction par le commissaire.

En raison des jauges limitées, votre inscription sera confirmée lorsque vous recevrez un mail de validation de bureau@samam.fr (environ deux semaines avant la visite).